El Aeropuerto Internacional Felipe Ángeles (AIFA) se convirtió en una pasarela de moda para mostrar la más reciente colección de Víctor Barragán. El diseñador mexicano llevó su arte a las inmediaciones de la terminal aérea causando revuelo.

“Barragán”, su firma, retrata en sus propuestas a las tribus urbanas de la Ciudad de México. Actualmente, el creador reside en Nueva York, razón por la que se ha colado como uno de los talentos más prometedores de la esfera.

Y a pesar de que su nombre acaparó la atención luego del desfile en el megaproyecto de Andrés Manuel López Obrador, lo cierto es que el mexicano cuenta con una amplia trayectoria.

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Víctor Barragán estudió arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). En 2010 fundó la marca de moda Ytinifninfinity, con diseños gráficos que lo ayudaron a trazar su propio estilo.

Según ha relatado para diversas entrevistas, desde pequeño se sintió atraído por la moda conceptual, inspirado en la vanguardia de contracultura. Así, en 2014 dio vida a la firma Barragán.

Sus diseños retoman los tintes estéticos de la moda urbana de la capital del país, específicamente, del Tianguis Cultural del Chopo. Por ello, en sus colecciones es común encontrar piezas confeccionadas con cuero, collares de púas o chamarras con parches.

También ha diseñado looks para Doja Cat, Alexa Demie, Rosalía o Bad Bunny, y ha colaborado en portadas para editoriales.

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La creatividad del mexicano capturó la atención de varias celebridades, a quienes llegó a vestir en más de una gala u ocasión especial. Por ejemplo, en julio de 2021 Kim Kardashian portó un vestido de encaje cut out elaborado por Barragán.

La socialité desató polémica por lucir la pieza durante su visita al Vaticano, pues usuarios le reprocharon que no era el código de etiqueta adecuado para el lugar.

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A menudo hablamos del valor que las semanas de la moda aportan a una ciudad: su impacto económico, la expectativa, el intercambio cultural y el compromiso con la comunidad. Sin embargo, el costo para las marcas independientes puede ser a veces abrumadoramente elevado, lo que hace que estos eventos se conviertan en una inversión que no merece la pena. La Semana de la Moda de Londres ha sido testigo de innegables faltas esta temporada, desde la ausencia de Christopher Kane, que entró en concurso de acreedores a principios de año, hasta la cancelación del desfile de S.S. Daley, Nensi Dojaka y la estrella emergente Dilara Findikoglu, quienes alegaron falta de fondos para organizar una presentación sobre la pasarela, según informa The New York Times.

En una época en la que las grandes marcas siguen expandiéndose, poniendo en escena producciones cada vez más elaboradas, los diseñadores emergentes luchan por conseguir la atención y la plataforma necesarias para desarrollar sus incipientes empresas. Puede que Londres sea un semillero de talentos emergentes, pero sigue siendo una ciudad excepcionalmente cara, lo que obliga a muchos a tomar decisiones difíciles entre mantener sus operaciones o desviar recursos hacia gastos de marketing innecesarios. Los diseñadores no deberían verse obligados a elegir entre mantener sus negocios a flote o presentar sus colecciones en la Semana de la Moda. Caroline Rush, Directora Ejecutiva del Consejo Británico de la Moda, comentó: “Creo que nunca ha sido tan difícil ser diseñador independiente en Londres como ahora”.

No obstante, la Semana de la Moda de Londres presentó aspectos positivos esta temporada a pesar de estos contratiempos. El evento coincidió con la Semana del Diseño, lo que dio lugar a numerosas pop-ups y acciones de colaboración por toda la ciudad. Estas actividades celebraron el trabajo de diseñadores y artistas visionarios que, aunque carecen de los recursos de los conglomerados de lujo, exhibieron una innovación juvenil y una determinación para desafiar el statu quo. Además, Londres acogió tres exposiciones de moda que pusieron de relieve el profundo impacto de la moda en nuestras vidas. Estas exposiciones abarcaron desde el manifiesto de Chanel en el Victoria & Albert Museum, hasta la retrospectiva “Rebel: 30 años de moda londinense” en el Museo del Diseño y “The Missing Thread: Historias no contadas de la moda británica negra” en Somerset House.

También se celebraron algunas actividades conjuntas, como la estelar celebración de las artes escénicas británicas de la mano de Vogue World, con una alfombra roja similar a la de la Gala del Met de Nueva York y la exposición Design Transforms de la Central Saint Martins, que celebró el trabajo de los diseñadores de producto graduados en asociación con UPM Biochemicals. Incluso el emblemático metro londinense sufrió una invasión temporal de la marca Burberry, que cambió el nombre de Bond Street por el de Burberry Street e incorporó el nuevo tono azul del logotipo de la marca, aunque eso trajo algo de confusión a algunos pasajeros.

Desde diseñadores consagrados a emergentes, he aquí un resumen de lo más destacado de la Semana de la Moda de Londres:

Burberry

Para el segundo desfile de Daniel Lee, había mucho en juego y una gran expectativa. El objetivo del Sr. Lee es aumentar las ventas, especialmente en accesorios, un área en la que Burberry se ha quedado rezagada con respecto a otras casas de lujo. En esta presentación, los zapatos y los bolsos ocuparon un lugar destacado, reflejando la experiencia adquirida por el Director Creativo durante su trabajo en Celine y Bottega Veneta. Para la primavera de 2004, Lee pareció optimizar la colección, centrándose en la reducción de la variedad de siluetas y opciones, en particular, del icónico trench, que apareció nítido y refinado con un cinturón, proponiendo una inversión duradera en lugar de una tendencia pasajera. Los vestidos y las prendas de sastrería se mostraron bien definidos, diseñados para la vida urbana más que para meras fantasías de alfombra roja. El calzado fue especialmente fuerte, con la presentación de una nueva sandalia, zapatillas y botas. Con mucho menos control, el Sr. Lee ofreció realismo.

Simone Rocha

Los fans de las Crocs se deleitarán con la versión de Simone Rocha con incrustaciones de perlas y encaje, posiblemente el par de Crocs más romántico y elegante jamás visto. Bajo el título “Dress Rehearsal” y en el Mulryan Centre for Dance, donde ensaya el English National Ballet, Rocha puso el foco en la relevancia para el mundo real de sus vestidos bellamente bordados. Combinados con una cazadora de estilo motociclista de cuero plateado, destilaban comodidad sin resultar excesivamente preciosistas. El dominio de Rocha sobre los tejidos, tanto por su estética como por su capacidad de manipulación para crear drapeados, cortes o pliegues, fue evidente, sobre todo en los vestidos rosas y rojos con fruncidos en el cuello y la manga, una técnica característica que podría reaparecer en la próxima colaboración de alta costura con Jean Paul Gaultier.

JW Anderson

Las colecciones de JW Anderson son conocidas por sus toques coloridos y su idiosincrasia, pero bajo las capas y los conceptos se esconden prendas reales y ponibles. En la propuesta SS24 presentó como telón de fondo una sudadera (buzo) con capucha reversionada, transformada por el arte de Anderson con nuevas proporciones. El protagonista fue el pantalón cargo, un básico de vestuario cotidiano que ha mantenido la ropa deportiva en primera línea de la moda durante muchas temporadas, combinado con una chaqueta de estilo motociclista o un blazer de doble botonadura aportó una actitud fresca sin resultar artificial.

Chet Lo

Chet Lo se inspiró en los seductores grabados del antiguo arte erótico chino y el Shunga. Al crecer como chino-americano, el creador vivió la sexualidad como un tabú. China sigue siendo uno de los pocos países del G20 que no ha legalizado el matrimonio entre personas del mismo sexo. Lo cree que la ropa puede liberarnos, una filosofía evidente en su colección. Ya sea a través de pantalones sastre con aberturas en las caderas o vestidos de punto con cuello halter adornados con un estampado de tijeras con monograma, Lo aspira a que todo el mundo se sienta más alineado, empoderado y seguro de sí mismo.

Emilia Wickstead

La colección de Emilia Wickstead desprendía un aire a Saint Tropez y la Riviera francesa, remontándose a los años 20 y 30, cuando la región era un refugio para artistas y un patio de recreo para luminarias como Picasso y Lee Miller. Suntuosas rayas de múltiples capas en naranja, azul cielo y amarillo girasol adornaron varias siluetas, desde un vestido diáfano sin hombros hasta un sencillo abrigo y un conjunto dos piezas que abrió el desfile. Atrevida y coqueta, Wickstead transmitió libertad, reflejando el modo en que los artistas se visten y expresan a través de la moda.

Diseñadores ucranianos en Londres

Las marcas de moda ucranianas Kseniaschnaider, Elenareva y Nadya Dzyak presentaron sus colecciones primavera-verano 2024 en la Semana de la Moda de Londres, en el marco de la Ukrainian Fashion Week (UFW), que se celebró fuera de Kiev debido a los continuos conflictos bélicos. A pesar de las sirenas antiaéreas y los ataques con misiles, los diseñadores ucranianos siguieron creando, y la UFW les brindó un apoyo inquebrantable durante su tercera temporada internacional.

La colección de Kseniaschnaider presentó siluetas en denim generadas por inteligencia artificial, fruto de la experimentación y el juego. La diseñadora Olena Reva, de Elenareva, exploró el tema del poder femenino, recurriendo a la antigua cultura Trypillian y mostró estampados inspirados en los ornamentos de las jarras de arcilla de Trypillian. Nadya Dzyak se inspiró en la obra de la artista Polina Raiko, cuya casa museo en Oleshky se inundó tras la destrucción rusa de la represa de Kakhovka. La Sra. Dzyak quiso trasladar las pinturas de Raiko a sus vestidos, transmitiendo un aprecio por el patrimonio artístico, aunque se lo haya llevado el agua.

Este artículo fue originalmente publicado en FashionUnited.UK, y ha sido traducido y editado al español por Cynthia Ijelman.